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Der Leichenwagen von Erzherzog Franz Ferdinand
Die Kuratoren der Städtischen Museen von Udine haben die Provenienz des Leichenwagens, der sich seit 1931 im Besitz der Gemeinde Udine befindet und in den Depots des Friaulischen Museums für Volkskunde aufbewahrt wird, durch eingehende Archivforschung rekonstruiert. Es scheint sich um denselben Wagen zu handeln, der am 2. Juli 1914 den Leichnam des Erzherzogs Franz Ferdinand von Habsburg transportierte, als die Stadt Triest dem österreichisch-ungarischen Thronfolger in den aufgewühlten Tagen, die die gesamte Region und ganz Europa nach dem Attentat von Sarajevo in den Abgrund des Ersten Weltkriegs führten, die historische Ehre erwies. Die Leitung der Städtischen Museen von Udine hofft, dass die Kutsche mit Hilfe einiger Mäzene bald restauriert werden kann.
Parlamentssaal von Friaul (Schloss von Udine)
PARLAMENTSSAAL Der Parlamentssaal (26x13 m) ist das Herzstück des Schlosses von Udine. Hier trafen sich regelmäßig Vertreter des Adels, des Klerus und der städtischen Gemeinden der Patria del Friuli, des Feudalstaates, der bis zur Invasion der Truppen der Republik Venedig im Jahr 1420 vom Patriarchen von Aquileia geführt wurde und der Udine und einen Großteil des Friauls bis 1797 beherrschte. Die Ursprünge des friaulischen Parlaments gehen auf die erste Hälfte des 13. Jahrhunderts zurück. Die Versammlung fand an verschiedenen Orten der Region statt und hatte eine beratende Funktion, die sie auch nach der Ankunft der Venezianer beibehielt. Das Parlament tagte bis 1805 in Udine, als es von Napoleon aufgelöst wurde. Der Macht des Parlaments setzten die Venezianer sowohl ihre direkte und indirekte militärische und politische Kontrolle (durch die Leutnants) als auch die Contadinanza entgegen, d.h. die Versammlung der Vertreter der friaulischen Bauern, deren Haus zwischen der Via Vittorio Veneto und der Via Rauscedo stand und 1931 abgerissen und am Piazzale del Castello wieder aufgebaut wurde. Der Saal wurde während des Wiederaufbaus des Schlosses nach dem verheerenden Erdbeben, das Friaul im Jahr 1511 heimsuchte, errichtet. Das Gebäude wurde ursprünglich von dem venezianischen Architekten Giovanni Fontana (ca. 1470-vor 1528) entworfen. Später übernahm der Maler und Architekt Giovanni da Udine (1487-1561), ein Schüler von Giorgione (ca. 1478-1510) und Raffael (1483-1520), der für die "groteske" Dekoration von Gewölben und Decken berühmt war, die Arbeiten von Fontana und entwarf die große Treppe an der Nordseite des Gebäudes. Zwischen der zweiten Hälfte des 16. und dem Ende des 18. Jahrhunderts wurden die Wände des Saals von verschiedenen Künstlern dekoriert, die hauptsächlich der friaulischen Schule angehörten. Das figurative Programm des Zyklus ist das Ergebnis eines einheitlichen Entwurfs, dessen Schöpfer unbekannt ist. Die Tatsache, dass die Dekoration des Saals mehr als anderthalb Jahrhunderte andauerte, führte zu häufigen Veränderungen, die es unmöglich machten, sie vollständig zu verstehen. Mit einer Mischung aus religiösen und weltlichen Themen, antiker Geschichte (des republikanischen und kaiserlichen Roms) und moderner Geschichte (der Kampf zwischen Venedig und dem Osmanischen Reich) sind die Dekorationen an den Wänden und der Decke des Saals entwickelt, die in einer ziemlich strengen Symmetrie miteinander in Dialog treten. Forscher vermuten, dass das Dekorationsprogramm den Frieden und den Wohlstand Friauls unter venezianischer Herrschaft verherrlichen sollte. Im Saal sind osmanische Speere und Paradespitzen ausgestellt, die der Überlieferung nach Kriegsbeute des christlichen Sieges über die Türken bei Lepanto (7. Oktober 1571) waren und den Städtischen Museen von Udine von Giuliano Mauroner (1846-1919) geschenkt wurden. DECKEN Inspiriert von den "venezianischen Decken" (wie denen im Dogenpalast der Lagunenstadt). Datiert zwischen 1566 und 1625. Der Zyklus besteht aus 21 Leinwänden, von denen 15 ein allegorisches Thema haben und 6 mit Wappen oder Inschriften verziert sind. Die dekorative Gestaltung wurde einst Giovanni Battista Grassi (ca. 1525-ca. 1578) zugeschrieben, während sie heute einem anderen friaulischen Maler zugeschrieben wird: Francesco Floreani (ca. 1515-ca. 1595). Zu den allegorischen Symbolen gehören Gerechtigkeit, Krieg und Frieden sowie Glaube und Religion. In der Gerechtigkeitsszene im zentralen Oktogon ist die Hand des Udineser Malers Giacomo Secante (1510-1585) zu erkennen. Die Decke wurde mehrmals durch eindringendes Wasser beschädigt und 1788 von dem Friauler Giovanni Battista de Rubeis (1743-1819) und 1818 von dem Udineser Kunstexperten und Maler Leopoldo Zuccolo (ca. 1760-1833), einem Schüler von de Rubeis', umfassend restauriert. OBER- UND UNTERFRIES Unter der Decke befinden sich Friese mit den Wappen der Leutnants, denen die Republik Serenissima zwischen der venezianischen Invasion in Friaul im Jahr 1420 und der napoleonischen Invasion im Jahr 1797 die administrative, rechtliche und steuerliche Kontrolle der Kleinen Heimat anvertraute. Die vier Wände des Saals sind außerdem mit einem monochromen Fries in Ockertönen geschmückt, das den Triumph über die Türken bei Lepanto darstellt. Das Werk wird Francesco Floreani zugeschrieben. Der Erhaltungszustand des Frieses lässt jedoch keine sichere Zuordnung zu, da er bereits zu Beginn des 18. Jahrhunderts in schlechtem Zustand war, als der Teil an der Südwand übermalt wurde. TIEPOLO IM PARLAMENTSSAAL In der Biografie (1732) des venezianischen Malers Gregorio Lazzarini (1655-1730) berichtet Vincenzo da Canal, dass Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770), einer der berühmtesten Künstler des 18. Jahrhunderts, mit der Restaurierung einiger Fresken im Parlamentssaal des Schlosses von Udine beauftragt wurde. Heute kann man Tiepolos Einfluss an den Figuren von vier Puttenpaaren erkennen, zwei an der Nordwand und zwei an der Südwand des Saals. Die Putten wurden um 1726 datiert, da sie starke stilistische Ähnlichkeiten mit den von Tiepolo in der Kapelle des Heiligen Sakraments im Dom von Udine gemalten Figuren aufweisen. Im selben Zeitraum nahm Tiepolo auch einige Eingriffe an dem Fries aus dem 16. Jahrhundert vor, das Floreani zugeschrieben wird. An der Südwand des Saals malte er Männer in Waffen. Tiepolo war nicht der einzige venezianische Künstler, der im 18. Jahrhundert im Saal tätig war. An der Nordwand, über der Tür, die zur Treppe von Giovanni da Udine führt, befindet sich tatsächlich ein monochromes Bild mit einer militärischen Szene, von dem Forscher annehmen, dass es um 1795 von dem Maler Giovanni Battista Canal (1745-1825) gemalt wurde. WESTWAND Die Wand ist in historische Szenen unterteilt, die von Gemälden mit religiösen Themen und allegorischen Figuren (Rache und Sieg) durchsetzt sind. Sie wurde ursprünglich von dem friaulischen Maler Pomponio Amalteo (1505-1588), Schwiegersohn von Pordenone (ca. 1483-1539), mit Fresken bemalt. Die Ausschmückung erfolgte nach einem Programm, das 1567 von Leutnant Filippo Bragadin (1509-1572) entworfen worden war, der an den Land- und Seekämpfen der Venezianer gegen das türkische Reich und die maurischen Piraten teilgenommen hatte. In der Schlacht von Malgariti überarbeitete Amalteo Erfindungen von Raffael und seiner Werkstatt (wie die berühmte Schlacht von Ponte Milvio in der Konstantinhalle) sowie den Stil und die Kompositionen des Venezianers Jacopo Tintoretto (1518-1594). Andere Szenen, wie der Sturz des Marcus Curtius in den Abgrund oder der Tod des Cato Uticense, stammen von Giovanni Battista Grassi. Die Wand wurde Ende des 18. Jahrhunderts von Giovanni Battista de Rubeis und später von G. U. Valentinis, Giovanni Masutti (1842-1904) und Antonio Milanopulo (1842-1920) neu gestrichen und umfassend restauriert. OSTWAND Die Ostwand ist ebenfalls in Szenen unterteilt, die mit sakralen Darstellungen durchsetzt sind. Die Belagerung von Aquileia durch Maximinus den Thraker im Jahr 238 n. Chr. von Pomponius Amalteus spiegelt die Vision von Udine (aber noch mehr von Venedig) als "neues Aquileia" wider. Die beiden anderen Szenen wurden 1569 im Auftrag des Leutnants Francesco Venier (1505-1581) von Giovanni Battista Grassi gemalt. Sie stellen die Gerechtigkeit und die Weisheit dar, die die Ungerechtigkeit in Ketten legen, und die Friaulische Heimat, die, unterstützt von Venus und Amor, dem thronenden Venedig auf den Knien huldigt. FÜR WEITERE INFORMATIONEN Giuseppe Bergamini, Il Salone del Parlamento, in Giuseppe Bergamini, Tiziana Ribezzi (Hrsg.), La Galleria d'Arte Antica dei Civici Musei di Udine, Volume 1, Dipinti dal XIV alla metà del XVII secolo (Vicenza; Terra Ferma Edizioni, 2002), S. 188-204.
Giuseppe Zigaina
Giuseppe Zigaina (Cervignano del Friuli, 1924 - Palmanova, 2015) Sein Debüt in der Welt der Kunst gab er bereits in jungen Jahren, als er 1948 an der 24. internationalen Kunstbiennale in Venedig teilnahm. Internationale Kunstbiennale in Venedig teilnahm. Seine Malerei, die sich durch ein ausgeprägtes bürgerliches Engagement auszeichnet, wurde im Laufe der Zeit zum Träger einer existenziellen Vision, die in der Lage ist, die tiefsten menschlichen Themen in Bezug auf Geschichte, Territorium, Erinnerung und Träume scharf zu analysieren. Zigaina, der nicht nur Maler, sondern auch Zeichner und Graveur, Schriftsteller und Bühnenbildner war, arbeitete im Kino an der Seite von Pier Paolo Pasolini, mit dem er eine intellektuelle Partnerschaft einging, die von seiner Jugend an bis zum tragischen Tod seines Freundes andauerte, einem Tod, über den Zigaina eine Theorie entwickelte, die er in sieben Büchern formulierte, die eines der wichtigsten Werke des Künstlers darstellen. Die größten italienischen Kritiker haben sich seinem Werk gewidmet und seine Werke sind in zahlreichen italienischen und ausländischen Institutionen vertreten. Dank seines Engagements für die Grafik gehörte er zu den Gründern der Europäischen Triennale des Kupferstichs und seine chalkografischen Werke sind in den wichtigsten internationalen Sammlungen der Grafik zu finden. Der Zigaina-Saal ist dem Künstler anlässlich seines 100. Geburtstages gewidmet und bewahrt einen Teil der Werke des Autors, die sich in den städtischen Sammlungen der Casa Cavazzini befinden. Versammlung von Landarbeitern am Cormor: Streik in umgekehrter Richtung Juli 1950, 1952, Öl auf Leinwand Das große Gemälde zeigt eine Versammlung von Landarbeitern am Ufer des Cormor, des Wildbachs, der aus dem Friaul Collinare entspringt und in die Lagune von Grado und Marano fließt. Der Cormor wurde in der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg zu einem emblematischen Ort für die Kämpfe der friulanischen Arbeiter, die gegen das Schicksal der Auswanderung die Notwendigkeit ihrer Arbeit in den Gebieten der Bassa Friulana demonstrieren wollten, die von dem Fluss durchflossen werden, der regelmäßig über die Ufer tritt und der Landwirtschaft Land entzieht. Die gewählte Form des Protests, der umgekehrte Streik, d.h. unbezahlte Arbeit, sah 1950 den Beitritt von Tausenden von Männern, die von der Polizei stark bekämpft, aber von einem zivilen Netzwerk und dem Engagement einiger Intellektueller unterstützt wurden. Zu diesen gehörte Giuseppe Zigaina, der in der Zeitschrift Rinascita einen Text veröffentlichte, der sich für die Sache der friaulischen Landarbeiter einsetzte, und in der Galleria al Naviglio in Mailand eine ganze Ausstellung zu den Kämpfen der Cormor organisierte. Er schuf auch dieses monumentale Gemälde, das 1952 auf der XXVI. Biennale in Venedig ausgestellt wurde und zum Manifest der Kämpfe der Landarbeiter wurde. Das Gemälde, das zu den Meisterwerken Zigainas gehört, gelangte nach seinem Erwerb 1988 in die städtischen Sammlungen. Uomini che uccidono cavalli (Männer, die Pferde töten), 1948, Öl auf Fäsit Uomini che uccidono cavalli (Männer, die Pferde töten), 1948, Öl auf Sperrholz In Anlehnung an das „Gemälde meines Lebens“, wie Zigaina die Schlacht von San Romano von Paolo Uccello nannte, ist Uomini che uccidono cavalli (Männer, die Pferde töten) ein Thema, das der Künstler zwischen 1947 und 1949 mehrfach mit unterschiedlichen Techniken behandelt. In Zigaina weichen die formale Exaktheit der starken geometrischen Struktur und die Eleganz der Darstellung, die für den florentinischen Renaissancemeister typisch sind, der Dramatik des Aufeinandertreffens von Kräften, Gewalt und Unterdrückung, die das Thema in der schwierigen Zeit des Zweiten Weltkriegs in Italien zum Ausdruck bringt. Es handelt sich also um harte, strenge Konturen („drahtartig“ wurde gesagt) in einem Werk, in dem die kalibrierte Konstruktion und, im Zentrum, die Lichter, die eine komplexe und kräftige Dynamik von Sprüngen und Akzenten vermitteln, von der großen bildnerischen Lehre übrig bleiben. Diese grafische Kraft wird bald auf die Schaufeln, Fahrräder, Heusensen und Karren übertragen und etabliert sich im Laufe der Zeit als charakteristisches Element des gesamten Oeuvres des Künstlers. Die Kritiker (Marchiori, Goldin, D'Angelo) heben den direkten Vergleich mit Picassos Werk Nachtfischen in Antibes auf der 24. Biennale 1948 hervor, an der der junge Zigaina erstmals teilnahm. Vielleicht erkannte er hier die Möglichkeit, „das große Drama des modernen Künstlers zu lösen: die Freiheit der Kunst zu retten, ohne auf ihr bürgerliches Engagement zu verzichten“ (Zigaina 1973). Das Öl auf Sperrholz wurde anlässlich der persönlichen Ausstellung des Künstlers im Circolo Artistico Friulano 1948 erworben. Das kleinere Öl auf Fäsit hingegen wurde im November 1954 von Socrates Stavropulos, einem Sammler und Mäzen griechischer Herkunft aus Triest, gestiftet. Ermordete Frau, 1961, Zeichnung in Mischtechnik auf Leinwandpapier Ermordete Frau, 1962, Mischtechnik-Zeichnung auf Leinwandpapier Ermordete Frau, 1962, Zeichnung in Mischtechnik auf Leinwandpapier Donna assassinata (Ermordete Frau) ist der Titel, der drei Werke verbindet, die Bianca Marini Solari 1995 den Civici Musei schenkte. Es handelt sich um Mischtechniken auf Leinwandpapier, die in der ersten Hälfte der 1960er Jahre entstanden sind. Zu dieser Zeit war Zigaina etwa 40 Jahre alt und seine schöpferische Reflexion richtete sich auf eine Realität, deren Erzählung in den Schmerz der Welt eintauchte und den unablässigen Kampf des Künstlers gegen Gewalt und Unterdrückung zum Ausdruck brachte. Der Sinn für das Tragische, der in diesen Jahren vorherrschte, schlug sich in dem mal historischen, mal zivilen Diskurs von Zigaina nieder, der die Zweidimensionalität des Blattes in Angriff nahm, um die Gewalt gegen Frauen mit einem starken, gekneteten Zeichen anzuprangern.Es sind Werke, die sich einem neuen grafischen Ansatz öffnen, weit entfernt von dem sicheren Zeichen, das es Zigaina im Alter von 25 Jahren ermöglicht hatte, den Diomira-Preis für junge Zeichner zu gewinnen, und das ihn in den 1950er Jahren zusammen mit der Künstlergeneration der 1920er Jahre dazu gebracht hatte, die Zeichnung als unverzichtbaren Prüfstand für die Messung und Verfeinerung des Handwerks im Verständnis der Wahrheit anzugehen. Es handelt sich um Fettstifte mit verschiedenen Eingriffen auf dem Papier, die von Tempera bis Pastell die Darstellung trüb machen und den Menschen und seine heftigen Aktionen mit Schatten belasten. Wohnheim, 1964, Mischtechnikzeichnung auf Leinwandpapier Dormitorio (Wohnheim) ist eine Mischtechnik auf Leinwandpapier von Giuseppe Zigaina aus dem Jahr 1964. Es gehört zu einer Reihe von Werken zu diesem Thema, die der Künstler zwischen 1964 und 1967 schuf. Der fettige Bleistift und ein emotionales Hell-Dunkel stellen das Klima der Denunziation und der Angst vor, das „Gefühl des Schattens“, wie Marchiori (1973) schreibt, „das in der Seele des Malers seit Beginn des Krieges geblieben ist“. Der Schlafsaal ist ein Thema, das von der Deportation, dem Lager, dem Kampf der Übermacht der Menschen über ihre Mitmenschen handelt. In den tragisch dargestellten Körpern steckt die Warnung, die aus der Geschichte kommt und die Zigaina als Daten für ein bewusstes ziviles Gewissen aufnimmt. Der Schlafsaal ist auch das Thema, das 1965 den Anstoß zu den ersten Stichen des Meisters gibt, die eine außergewöhnliche Annäherung an die Platte und die Druckgrafik eröffnen, die Zigaina an die Spitze der internationalen grafischen Kunst führen wird. Das Werk auf Leinwandpapier wurde den Städtischen Museen von Udine 1995 von Bianca Marini Solari geschenkt. Alessandra und die Sternschnuppe, 1966, Öl auf Leinwand Alessandra e la stella filante (Alessandra und die Sternschnuppe) ist ein Werk, das Zigaina 1966 schuf und in jenem Jahr in den persönlichen Räumen des Künstlers auf der XXXIII. internationalen Kunstbiennale in Venedig zusammen mit 16 anderen, damals sehr jungen Werken ausstellte. Im Katalog wurde es als „realistische und orphische Malerei“ (De Micheli 1966) bezeichnet, während Zigaina selbst einige Jahre später bestätigte, dass in seine Malerei der 1960er Jahre „ein anderer Teil der Realität“ eingeflossen sei, der durch die Sedimente seiner intimsten und persönlichsten Geschichte gefiltert wurde. Hier ist also Alessandra, seine neugeborene Tochter, schlafend im unteren Teil des Gemäldes dargestellt, während die Sternschnuppe mit ihrer Ladung an Magie und Schicksal eine leuchtende Spur am Himmel zieht, auf der die großen Figuren erscheinen, die bald auftauchen und die Gemälde des Maestro bevölkern werden: die Gewitterblitze, die Rieseninsekten, die nächtlichen Schmetterlinge, die Raumschiffe, der Vater, der zuhört, der im Traum erscheint, manchmal als Widder, und in den letzten Jahren die Sonnenblumen, fast wie eine Erinnerung an die ersten Gemälde, die aus dem Gedächtnis auftauchen, um das mehr als siebzigjährige Werk von Giuseppe Zigaina abzuschließen.